Desde Indonesia, Chaerul Umam “mrizalcs” y su obra.

Fotógrafo nacido en Serang Indonesia en el año 1979, tiene una selección de trabajos realmente destacable, en este post quiero presentar sus imágenes en Blanco y Negro ya que también es un fotógrafo que trabaja el color pero a un nivel más comercial; puedo decir que su trabajo como la mayor parte de los grandes fotógrafos habla más por él que él mismo, de su historia y vida se sabe poco, pero de su obra que comparte con nosotros en redes como Deviantart  o en la revista Bulb Magazine podemos ver algunos ejemplos, como los que extraigo para ahora compartirles a ustedes hoy:

Aquí algunos de sus pensamientos sobre su trabajo:

“photography is a part of my life. no words are more beautiful than to stop time in a snap the shutter.”

Mi traducción: “La fotografía es una parte de mi vida, no hay palabras más hermosas que detener el tiempo al presionar el obturador”

“All that God gives will have a soul, will be very nice if we can see that side and immortalize it. Understand the deepest meaning of nature, human beings and all the souls of his creations.”

Mi traducción: “Todo lo que Dios da tiene un alma, sería bueno si nosotros viéramos ese lado y lo inmortalizáramos. Entender el profundo significado de la naturaleza, los seres humanos y todas las almas de sus creaciones.”


Por sus palabras podemos comprender la sensibilidad con la que maneja cada una de sus obras, y por ello pasar por alto su silencio, puede suceder que nos evoque el trabajo del maestro Koentjoro, también paisano de “mrizalcs”, artista mencionado aquí en otro post anterior; posiblemente porque su paisaje ya nos es familiar, sin embargo cada uno logra marcar sus diferencias estilísticas.

A continuación su trabajo con modelos:

Espero lo hayan disfrutado tanto o más que yo 🙂

Para visitar la obra del autor pueden hacer clic en cualquiera de las imágenes

Fuente: Deviantart

Para los amantes del Blanco y Negro.

Una buena forma para inspirarse en un mundo de color, es la fotografía a Blanco y Negro.

by MustafaDedeogLu

El color es a la pintura como el Blanco y Negro a la fotografía.

by micmojo

La fuerza de las líneas y las texturas no pasa inadvertida en el proceso a Blanco y negro, son mucho más evidentes, conducentes y adquieren un grado de significación para la composición.

by arbebuk

El contraste y las formas definen límites, enfatizan escenas y dotan de especial carácter las tomas, los brillos y las siluetas adquieren mayor interés, más surrealista e incluso siniestro.

by warnaiman

En cuanto al retrato, concentra la atención en los gestos, la mirada y la intención del fotógrafo, revela o es mejor decir interpreta la personalidad del retratado, su expresión y disposición ante la lente, ante la ausencia del color, solo queda el espíritu de fotografiado frente al ojo del espectador.

by girltripped

Lo más paradójico, es que no nos detenemos con facilidad ante los detalles de un paisaje colorido, lo que sí ocurre frente a uno en blanco y negro, la razón es que el color es un motivo tan poderoso que nos abstrae de los demás elementos, por lo que lo vemos en su conjunto como un “solo” de color; mientras que en el blanco y negro el paisaje se representa de una forma no habitual a nuestros ojos, por ello hacemos intentos por reconocer lo que vemos, detallando lo que tenemos en frente.

by lonelywolf2

Es un estado de, melancolía para muchos, romántico para otros o simplemente contemplativo para algunos.

by novakovsky

Para trabajar en blanco y negro, los expertos recomiendan no hacer las tomas directamente con esta técnica, sino hacerlo en color para luego procesarlo, cuál es la razón? en la fotografía digital, los sensores de las cámaras fueron diseñados bajo el concepto de color, por lo tanto son eficientes para tal fin, para obtener un óptimo blanco y negro es mejor hacerlo desde el proceso en el laboratorio de revelado digital, (camera RAW, Lightroom, Photoshop, Aperture …en fin el software que disponga el fotógrafo), que de tal modo que hay que pensar en blanco y negro mientras se captura en color.

by MichiLauke

La fotografía a blanco y negro infrarroja, es mágica!;

  • Los objetos calientes reflejan luz infrarroja por lo que aparecen blancos.
  • Los objetos fríos absorben luz infrarroja por lo que aparecen oscuros.
  • Las hojas de los árboles reflejan mucha luz infrarroja por lo que el pasto, los arboles y otras plantas aparecen blancos.
  • Las estructuras hechas por el hombre no presentan cambios.
  • El agua es fría por tanto absorbe la luz infrarroja (se ve oscura).
  • El cielo se torna oscuro
  • Las nubes se tornan blancas.
(Fuente www.mueses.com)

by AndrisBarbans

Si quieres conocer una de las técnicas para fotografíar humo, recomiendo este artículo de www.dzoom.org.es ,Cómo Fotografiar Humo: El Tutorial Más Completo.

by JDV-from-A

by gazelka

by Pixydream

by ~SadisticoShy

by radicszoltan

by Enaston

by angelreich

Para conocer más de los artistas de las anteriores fotografías, clic en cada una de ellas.

Fuentes: Deviantart

Ansel Adams: Una fotografía no es un accidente, es un concepto.

Ansel Adams

Para muchos, él es un pionero de la fotografía, un maestro paisajista, un genio del Banco y Negro, y sí, realmente es un personaje que aún en nuestro tiempo sigue siendo un referente tanto por su obra por lo que en su paso por este mundo a color  dejó como testimonio, como tanto por lo que tuvo que decir al respecto, enseñanzas de la percepción de un mundo que es una combinación del negro más puro pasando por todos lo grises hasta el blanco níveo.

Ansel Adams, cambió la forma como se asumía el mundo a través de la lente, mediante el desarrollo de la medición por zonas, dio a los fotógrafos de todo el mundo una herramienta para que tuvieran un mayor control de la escena que desearan tomar en el momento mismo de la captura; su sistema de medición permite hoy en día, valorar los niveles de brillo y sombras que tendrán la imagen resultante, este sistema aunque pensado para el blanco y negro en la actualidad sigue siendo una guía para la fotografía digital y en color.

Bright Angel Canyon from Yavapai Point

Adams, más que un fotógrafo fue un pensador que tenía la ventaja de plasmar en un film no solo sus pensamientos incluso también sus sentimientos, al fin y al cabo la vida no se trata todo de blanco y negro absoluto, sino de una variada y nutrida gama de grises; como paisajista fue criticado crudamente por otro ícono de su tiempo, Henri Cartier Bresson, siendo este el padre del fotoperiodismo, le molestaba la ausencia de acción en las imágenes que Adams tenía sobre valles, nevados y montañas; para Bresson eso no significaba mucho, sin embargo, y muy al contrario de lo que pudiera pensar Bresson, las imágenes de Adams mostraban la acción de la naturaleza, una naturaleza que en su estado de aparente quietud, es una muestra perfecta de la armonía entre lo finito y lo infinito, la sincronía entre lo perpetuo y lo efímero y una evidencia del poder de la madre tierra.

Branches in snow

Como él bien tuvo a expresar: “Tú no tomas una fotografía, tú la haces”, a través de la propia percepción, del propio criterio como suma al conocimiento y dominio que se tenga, lo que se ve en su mente será el resultado que se percibirá una vez sea expuesto y revelado.

Tetons and the Snake River

Moonrise, Hernandez

Yosemite Valley, Thunderstorm

Mountains

Moon and Half Dome

Clearing Winter Storm
Farm workers
Canyon de Chelly
Mt. McKinley, Wonder Lake

Lo admirable de su trabajo, es representarnos un mundo en blanco y negro y hacernos olvidar que originalmente viene en color para nuestros ojos, nos hace un alto para que observemos con detenimiento los detalles que desaparecen una vez los millones de colores toman su lugar.

Ansel Adams 20 Febrero 1902-22 Abril 1984.

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Clarence Sinclair Bull

Dentro de la fotografía de retrato o “portrait”, me gusta encontrar autores con la versatilidad en el blanco y negro, de hecho, tengo el gusto particular por el blanco y negro en los retratos de personas, es mucho más intimista y logra captar la atención no solo en la gestualidad del personaje frente a la cámara, sino que bien logrado, imprime emociones y sentimientos, comunica sin decir una palabra.

Dentro de los grandes artistas del siglo pasado, creo importante mencionar a Clarence S Bull, famoso fotógrafo de las estrellas de Hollywood en los años 20 a los 40; es más recordado por su trabajo junto a la famosa actriz Greta Garbo y es precisamente por tal razón que lo traigo a colación; las fotos de la Garbo son realmente impresionantes, en parte, por su especial dominio del contraste, la expresividad y el halo de misterio que envuelve y que caracterizó por siempre a la actriz.

La actriz originaria de Suecia fue conocida como “la divina” por tener uno de los rostros más bellos y perfectos del cine de Hollywood y sus fotos publicitarias no dejaban duda de tal belleza, parte de esa grandeza se la debe al gran fotógrafo Clarence S Bull. La Garbo, no fue la única, Bull fotografió artistas como Clark Gable, Joan Crawford, Katharine Hepburn, Hedy Lamarr, Gary Cooper, Elizabeth Taylor, Vivian Leigh, Spencer Tracy, Ava Gardner, Grace Kelly entre otros.

Parte de su comprensión sobre el manejo de la luz se la debe a sus conocimientos en pintura, pero su trabajo no fue exclusivamente en Blanco y Negro, también experimentó con la fotografía a color, no como la que conocemos hoy  en día, sino a través de un post-proceso llamado Technicolor, del que Bull fue pionero, y que utilizó  en las películas “Lo que el Viento se llevó” y el “Mago de Oz”.

Esta es una pequeña muestra de su trabajo como retratista de estrellas, del siglo dorado de Hollywood:

Greta Garbo by Clarence S Bull

Clarence S Bull

Greta Garbo para Mata Hari

Greta Garbo para Mata Hari

Greta Garbo by Clarence S Bull

Greta Garbo by Clarence S Bull

Clark Gable GWTW

Vivien Leigh GWTW

Joan Crawford by Clarence S Bull

Hedy Lamarr

Cary Grant & Katharine Hepburn

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