Niall Benvie, un fotógrafo con mensaje.

¿Cómo?, a caso no todos los fotógrafos llevan un mensaje en sus fotografías?, luego no comunican siempre?.

A decir verdad abordar este tema y más precisamente éste fotógrafo me hizo reflexionar sobre el asunto, y lo que aquí escribo, son mis percepciones sobre este asunto y no pretendo dar cátedra porque para eso existen profesionales más capacitados sobre la comunicación y el lenguaje pictórico y no pictórico, como reitero, son mis percepciones y como no, mis”abstracciones” desde la obra del fotógrafo Escocés Niall Benvie.

Todo surgió por una masterclass que pude consultar por internet, dónde Niall fue conferencista, quedé asombrada más que por sus fotografías, por sus pensamientos y reflexiones sobre las mismas, procurando dejar un mensaje a veces explícito otros implícito dentro sus imágenes, con qué fin? bueno precisamente ese, dejar un mensaje para quién lo quiera ver.

En mi experiencia novel en la fotografía, me preocupo por cosas importantes de cómo entender la luz, cómo reconocer buenos escenarios para fotografiar, en cómo aplicar conocimientos de composición y cómo en todos lograr aquella imagen que me he propuesto a lograr (con más fracasos que éxitos debo reconocer); y es en este instante de mi proceso con la fotografía que llega éste personaje y me plantea un nuevo reto: Podrías decir, ¿qué comunican tus fotos? y lo que es más específico; ¿quisiste decir algo y lo conseguiste?. Puede que para muchos de ustedes eso sea más que obvio, en mi caso fue todo un descubrimiento, una apertura, lo he experimentado cuando al salir a fotografiar no me he propuesto más que entender la técnica pero sin pretender comunicar nada; puede que luego al ver la fotografía me haya dicho: “esto puede dar la sensación de soledad” sin embargo no lo planeé así desde el principio.

El descanso

Por eso siempre encuentro dificultad al momento de titular mis fotos, o soy muy literal, invoco la obviedad o sencillamente me decanto por la sensación que me produce al verla una vez en el ordenador. No con esto quiero decir que mi proceso sea inadecuado, pues como he dicho estoy aprendiendo cada vez más sobre la técnica, y tampoco digo que ya debo saber sobre transmitir mis pensamientos y deseos en mis imágenes desde el principio, pues estaría dando el mensaje erróneo de evitar la espontaneidad, como pueden ver en la imagen de arriba llamada: “el descanso” fue lograda gracias a estar en el momento correcto, en el lugar correcto y haciendo un “robado” como Robert Doisneau denominó, a las fotos espontáneas de gente a la que no le has pedido permiso de fotografiar.

A lo que me refiero, es que la fotografía en esencia no es simplemente que tengas una correcta exposición en tus imágenes, eso te lo da el aprendizaje de la técnica, sino que vaya más allá de ahora en adelante, no importa si te equivocas y no lo logras, que te puedas permitir pensar en una idea e intentar llevarla a tus fotos, el mismo Niall Benvie dice, y no lo copio textual pero es algo como: “en vez de tener cientos o miles de fotografías en el año, procura tener 6 que representen aquello que quisiste decir” y qué mejor que le haga a tu espectador cuestionarse así mismo viéndolas.

En el caso de Niall Benvie, refuerza su comunicación en algunas ocasiones simplemente colocando señales de advertencia porque quiere jugar con un recurso que se llama “sarcasmo” logrando que el espectador hasta cierta medida sonría o se conmueva, a continuación unos pocos ejemplos de su obra a la que invito visitar en su página http://niallbenvie.photoshelter.com/

Boy using a laptop computer under a spoof wi-fi sign, Scotland

Boy using a laptop computer under a spoof wi-fi sign, Scotland by Naill Benvie

Spoof warning sign - Falling leaves - and victim of carelessness by Niall Benvie

Spoof warning sign – Falling leaves – and victim of carelessness by Niall Benvie

Spoof hazard sign in the forest by Niall Benvie

Spoof hazard sign in the forest by Niall Benvie

Spoof warning sign - cod by Niall Benvie

Spoof warning sign – cod by Niall Benvie

Ahora bien, la idea de este post no es simplemente mostrar cómo un hombre hace carteler ambientalistas en sus fotos, sino como su obra mismo recomienda, ir más allá, salir no sin un propósito, al contrario, abstraerse del mundo y pensar qué decir, la fotografía puede decir mucho más que el titular de la prensa, incluso en sí misma volverse el titular, comunicar para que de vez en cuando alguien más allá de decir que bonita o fea te quedó esta foto (que es también perfectamente válido), te diga, cuando veo esa imagen siento tristeza o me conmueve en algún aspecto, que si quisiste reflejar angustia alguien te diga exactamente eso o incluso vaya más de ese reflejo.

Suena todo muy bonito hasta aquí verdad?, pero para qué me sirve?; bueno pues pienso que si uno encuentra la forma de comunicar lo que uno piensa, lo que finalmente uno está haciendo es poniendo de sí mismo en la obra, y llegando por añadidura a eso que todos los fotógrafos anhelamos: “encontrar nuestro propio estilo”. Así que sí me quiero diferenciar, debo ir pensando más en voz fotográfica, a pesar que fracase en el principio.

Un saludo a todos, espero no haberme puesto densa y mucho menos haberlos aburrido; pero en situaciones en que alguien te mueve las ideas, agradeces tener un Blog para expresarte :D.

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Desde Indonesia, Chaerul Umam “mrizalcs” y su obra.

Fotógrafo nacido en Serang Indonesia en el año 1979, tiene una selección de trabajos realmente destacable, en este post quiero presentar sus imágenes en Blanco y Negro ya que también es un fotógrafo que trabaja el color pero a un nivel más comercial; puedo decir que su trabajo como la mayor parte de los grandes fotógrafos habla más por él que él mismo, de su historia y vida se sabe poco, pero de su obra que comparte con nosotros en redes como Deviantart  o en la revista Bulb Magazine podemos ver algunos ejemplos, como los que extraigo para ahora compartirles a ustedes hoy:

Aquí algunos de sus pensamientos sobre su trabajo:

“photography is a part of my life. no words are more beautiful than to stop time in a snap the shutter.”

Mi traducción: “La fotografía es una parte de mi vida, no hay palabras más hermosas que detener el tiempo al presionar el obturador”

“All that God gives will have a soul, will be very nice if we can see that side and immortalize it. Understand the deepest meaning of nature, human beings and all the souls of his creations.”

Mi traducción: “Todo lo que Dios da tiene un alma, sería bueno si nosotros viéramos ese lado y lo inmortalizáramos. Entender el profundo significado de la naturaleza, los seres humanos y todas las almas de sus creaciones.”


Por sus palabras podemos comprender la sensibilidad con la que maneja cada una de sus obras, y por ello pasar por alto su silencio, puede suceder que nos evoque el trabajo del maestro Koentjoro, también paisano de “mrizalcs”, artista mencionado aquí en otro post anterior; posiblemente porque su paisaje ya nos es familiar, sin embargo cada uno logra marcar sus diferencias estilísticas.

A continuación su trabajo con modelos:

Espero lo hayan disfrutado tanto o más que yo 🙂

Para visitar la obra del autor pueden hacer clic en cualquiera de las imágenes

Fuente: Deviantart

Zhang Jingna, imágenes románticas y sensuales.

Zhang Jingna

Con apenas 23 años, la China Zhang Jingna se ha ganado su espacio en el mundo de la fotografía, con la exquisitez de sus imágenes y el cuidado que tiene en los detalles, ese cuidado y porqué no decirlo, “romanticismo femenino” que imprime en cada una de sus tomas; mas que una promesa se puede considerar ya la poseedora de un estilo, ver un trabajo suyo es ver su marca. No soy de las personas que le guste mucho la fotografía dedicada al fashion, pero reconozco que su tipo de trabajo tiene un encanto particular, logra transmitir cierta sensación melancólica, pero a través de una melancolía glamorosa y tal vez esta sea la razón de la cual me he prendado de su trabajo.

No en todos los casos pero sí los más frecuentes, cuando observo una revista de moda, a mí en lo particular me resulta sumamente aburrido y no es porque no me guste la moda, simplemente las fotografías fashion resultan ser la copia, una de otra entre páginas, además, la extrema delgadez de las modelos me produce cierta impresión negativa.

Con esta fotógrafa he encontrado cierto emoción perdida, un emoción que me recuerda las fotografías del Hollywood de los años 30,  eso sí adaptada a nuestro tiempo, pero conservando el romanticismo y en especial la exaltación del cuerpo femenino por un elegante y ante todo suave vestido, donde realmente parece ser propiedad de quien lo viste. Su buen ojo para la moda es dada su primera inclinación al estudiar diseño de modas pero que dejó a un lado una vez entró en contacto con lo que hoy es su profesión, la fotografía. Esto le ha permitido sumar sus conocimientos en los dos campos y lo que dio como resultado es lo que a continuación les comparto en este post.

Si deseas ver más de la artista, clic en el enlace oficial de su página que se encuentra al final de este post.

























En el mes de la mujer, fotógrafas. I Parte.

Juliet Margaret Cameron: Fotógrafa inglesa 11 de Junio de 1815-26 de Enero de 1879;
“Mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal”

 

Dorothea Lange: Fotógrafa americana, Mayo 26 de 1895 – October 11 de 1965;
“No es accidental que el fotógrafo se meta a fotógrafo , como no lo es que el domador de leones se meta a domador”


 

Masumi Ayashi: Fotógrafa Americana, Septiembre  3 de 1945 – Agosto 17 de 2006.
“Donde vivimos es no siempre sobre la superficie”


 

Annie Leibovitz: Fotógrafa Americana, Octubre 2 de 1949;
“Lo primero que hice con mi primera cámara fue subir el Monte Fuji, en una lección de determinación y moderación. Sería justo preguntar si tomó parte el corazón en la moderación, pero ciertamente fue una lección en respecto a la cámara. Si yo iba a vivir de esta cosa, yo iba a tener que pensar lo que significaba…”



 

Diane Arbus: Fotógrafa Americana, Marzo 14 de 1923-Julio 26 de 1971;
“Una fotografía es un secerto sobre un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes.”

 

Fuente: Google Images
Wikipedia

 

Leslie Alsheimer, “delicada sensibilidad”.

Me gusta encontrar fotógrafos que realmente inspiren y Leslie Alsheimer es una de ellos; divide su tiempo como fotógrafa independiente y profesora de este mismo arte en la ciudad de Santa Fe en Nuevo México (EEUU). Tiene un curriculum bastante generoso, con experiencia en los ramos de la fotografía documental, periodística, editorial, fine art y ganadora de varios premios internacionales como nacionales donde se destaca su mención honorífica en los galardones de fotografía de la UNICEF del año 2010; además, escritora de libros de instrucción fotográfica, de los cuales traigo a colación uno:Black and White in Photoshop CS4 and Lightroom, aunque por razones obvias no es la versión más reciente, sus consideraciones son bastantes útiles para los que usan la versión CS5.

Entrando en detalles de su trabajo, se puede apreciar su destreza y conocimiento en el manejo del sistema de Zonas del maestro Ansel Adams, como ella misma referencia en su libro. Puedo decir sin temor a equivocarme que ella tiene una química especial, dicha química que hace que se lleve muy bien con las sombras y aproveche en espacios a veces casi imposibles, la poca luz de los lugares.

 

El entendimiento de la exposición correcta puede llevar al fotógrafo a experimentar y quebrar a conveniencia las reglas, como bien explica en su libro, el fotógrafo si quiere encontrar su propia voz debe antes haberse equivocado muchas veces hasta encontrar aquello que llamamos “su propio estilo”.

 

Fuente: Leslie Alsheimer

La fotografía de Hengki Koentjoro, el fino arte del Blanco y Negro.

En artículos anteriores, me he permitido tratar sobre excelentes maestros fotógrafos que se convirtieron en la piedra angular de estilos que aún hoy referenciamos, autores del siglo pasado que son para muchos, fuentes de inspiración incluso puntos de partida en la búsqueda de un estilo propio; no cabe duda que tras de sí dejan una herencia para aquel que esté dispuesto a aceptarla

Hoy quiero no solo hablarles sino recomendarles la obra de un autor que para mí, es también un maestro, del que he tenido la fortuna de ver parte de su trabajo en la red, su nombre es Hengki Koentjoro, fotógrafo originario de Indonesia, y del cual la verdad no se obtiene suficiente información, posiblemente porque más que hablar de él prefiere que se hable de su trabajo, de lo poco que se sabe es que fue estudiante del Brooks Institute de la ciudad da Santa Barbara en los Estados Unidos y que posteriormente en su país se dedicó a la producción de videos y películas documentales sobre la naturaleza.

Dentro de su equipo de trabajo, Hengki Koentjoro utiliza cámaras análogas, así que sus resultados son fruto de un agudo ojo fotográfico y en buena parte de un muy cuidado trabajo en el laboratorio, ¿en qué porcentaje trabaja sus imágenes de manera digital?, por el momento no lo sabemos y en realidad no importa, porque  el valor de este artista radica en toda una técnica bien desarrollada, cultivada por la experiencia como documentalista con un dominio del claro obscuro y del formato 6×6 que lo hacen un digno exponente de la fotografía a Blanco y Negro.

Con Ustedes Hengki Koentjoro:

Fuente: Art Limited

Diane Arbus: Realmente creo que hay cosas que nadie vería si yo nos las fotografío.

La fotografía siempre nos evidencia la visión y perspectiva de quién está detrás de la lente; del cómo éste,  percibe el mundo y lo que en definitiva logró captar su atención; muchas de las veces son rostros llenos de fuerza y especialmente de mucha belleza, porque somos más receptivos a lo bello, porque creemos que se nos hace más fácil su lectura, su interpretación, y porque posiblemente, muchos de nosotros sabemos que la belleza de los rostros oculta tras de sí miserias más grandes como la sobrecarga de la belleza misma.

Diane Arbus, es una fotógrafa que en sus inicios tuvo bastante contacto con esa belleza; no en vano trabajó junto con su esposo, el también fotógrafo, Allan Arbus para las más reconocidas revistas de moda como la Harper’s Bazaar, Vogue y Esquire en los años 40; sin embargo, años más tarde y ya divorciada de su esposo, se sintió mayormente atraída por otro tipo de belleza, una más marginal y por ende menos apreciada, podríamos decir, que “una más difícil de ver o de considerarse bajo ese término”; luego de recibir la inspiración de su maestra de fotografía, la que de alguna forma logró transmitirle su visión ácida y cruda;  y de otras artes que finalmente la encaminaron en la apreciación de como bien titula este post, “…cosas que nadie vería si yo no las fotografío”.

Diane Arbus, en los años sesenta fotografío, lo que para nosotros en la actualidad todavía observamos, aún con cierta repulsión o recelo, imágenes de esa contraparte de la belleza, donde existe la locura, la pobreza, la soledad (pero no una soledad romántica sino más bien social), y la fealdad.

Aquí, algunas de sus imágenes:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Diane Arbus:  14 Marzo 1923- 26 Julio 1971

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